基本介绍

内容简介

《教师素描作品精读》由吉林美术出版社出版。书中收选的作品特点鲜明，个性明显。呈现出油画系近年的素描概貌。

作者简介

于艾君，1971年生，鲁迅美术学院油画系教师。参加过多种展览并曾获奖。业余写作，有出版物多种。有包括诗歌、随笔、短小说，艺术评论等各类文字若干，部分散见于七十余种刊物或作品选。近年偶涉图书和展览策划。

文摘

插图： 论素描教学中的层次与作画状态的转换 韦尔申 人类在原始时代就已经能够运用基本的造型因素。如点、线、黑白，以及单纯的色彩去创造反映他们美感心理的图式。这些原始的图式是人类对于美的观念的物化。随着历史的进程，人们的这种造型意识由不自觉到自觉，并向多层次的广度与深度发展，使造型这一概念不断地深化。素描就是在这种意识不断深化和积累中发展起来的。 素描作为造型艺术的基础课始于16世纪意大利的美术学院。当时教学的主要内容是以科学的造型手段，如解剖、透视等，对古代绘画大师的作品进行临摹和写生，并配以着衣模特儿同时进行。 这一套教学内容虽然在以后各个不同时期内不同的素描学派加以调整和充实，但基本的内容与主张一直沿用至今。至于学院派教学的得失早为大家所熟知，这里不再赘述。 以自然为楷模的观点早在古希腊时期就已被许多的哲学家和美学家所推崇，如亚里士多德认为“艺术就是对于自然的模仿。罗马人塞内加也认为。一切艺术都是效仿自然。，就连一代宗师达，芬奇也曾讲过：。镜子是肖像画家的老师。。在自然与艺术的关系上，似乎中国人的见解倒是更接近艺术的本质，提出了。外师造化，中得心源。的主张，与西方同行们相比显得略高一筹，尽管这是从中国意象造型的角度提出的。但就整个艺术的宏观性而言则顺理成章。一个艺术家不论采用什么样的观点、手法，它们之间的差别并不十分重要，因为所有的视觉表现最终都必须归结到基本的、普遍的艺术规律上，即便自然是艺术的楷模，也不应该把重点放在对于客观对象丝毫不差的复制上，否則的话，用什么标准来衡量自然的印象与艺术的印象价值的高低呢？ 其实，写实性绘画是一个非常不确定的概念。所谓的写实，是指一般意义上的形似对象，也就是在空间，光线、色彩、黑白等造型因素方面去接近对象的自然性，所谓的写意，一般是指以不求形似的方式去表现对象或母题，其中也具有写实的成分。它们之间的。似与不似。都只是程度的差异而已，并没有一条精确的界线，可以这样说。不存在不写生的变形。也不存在不变形的写生，一幅写实的作品在整个画面的构成上并不一定都是写实的，其中有真实的部分，也有不真实的部分或变了形的，也许其中不真实的部分恰恰是这幅作品的点睛之笔。它在客观现实中可能是不真实的、变了形的，可在画家所创造的现实中（即画面）却是合理的、真实的，在中世纪的绘画中，地面往往是倾斜的，从透视的角度看，上任何物体都是立不住的，但由于画面构成的有机联系以及风格手法的一致性，欣赏者就不会去挑剔地面的透视与物体的重心问题了。米开朗基罗说过这样一句话：“如果说现在还有一门科学的话，那么素描就是二门科学。。这句话在当时也许并不算错，如果我们今天仍然认为素描是科学的话就显得牵强了。假如一定要把它归结到一门学问上的话，它首先应属于美学。因为素描的目的是通过质朴、概括的造型语言去表达对象内在的美，并不是为了逼真地复制对象，其实，米开朗基罗本人的艺术从来就不拘泥于科学的法則，而是根据需要去创造对象，尤其是他笔下的人体，已摆脱了现实中的自然形态，是活生生的创造物。波提切利、达，芬奇、拉斐尔，丢勒、荷尔拜因等大画家无不如此。 在我们的素描教学中往往侧重于造型规律与科学手段的培养，缺乏对素描宏观意义上的认识和应有的审美意识、想象力、创造力的培养，使素描教学仅限于一种对物写生的状态，如果素描教学的目的只是向学生们传授怎样准确地再现对象的各种比例、运动方向，以及点与面的关系的话，那么素描的生命力就不存在了。我们不应该机械地对待一系列科学的原理和手段，使自己成为对象的奴隶，画家毕竟是在尊重自己视觉感受的前提下去运用各种规律和手段的，笔者认为，所有对基本规律与造型手段的训练都应归向对于艺术表现的追求和掌握，这一过程也就是由基础训练向艺术表现转换的过程。只有实现这样一个完整的转换过程，我们的素描教学才具有活力。